Igor Kopystiansky

Igor Kopystiansky (ukrainisch Ігор Копистянський Ihor Kopystjanskyj; * 16. Dezember 1954 in Lwiw, Ukrainische SSR) ist ein ukrainisch-US-amerikanischer Künstler.^[1]

Igor Kopystiansky arbeitet multimedial, unter anderem in Malerei, Fotografie, Film und Video. Bei Film- und Videoarbeiten arbeitet er mit seiner Frau Svetlana Kopystiansky zusammen. Seine unabhängigen und gemeinsamen Werke werden international gezeigt und werden von großen amerikanischen, europäischen und australischen Museen gesammelt. Die Archive von Igor und Svetlana Kopystiansky befinden sich im Centre Pompidou, Kandinsky-Bibliothek.^[2]

Er nimmt in seiner Arbeit Bezug auf gegenständliche Malereien der Kunstgeschichte. „Er kopiert sie eigenhändig, wobei ihm als Vorlage Reproduktionen dienen. In seinen „kompakten Ausstellungen“ stapelt er die kopierten Bilder übereinander oder rollt die Leinwände zu Knäueln. Als Gegenstand behandelt, verschwindet das Bild und bleibt doch im verborgenen präsent.“^[3] Die ursprüngliche Inspiration für seine Werke, die auf Ideen der Dekonstruktion und Aneignung basierten, stammte von DADA und Marcel Duchamp. Diese Werke eigneten sich Bilder westeuropäischer Maler an. Die neuen Gemälde wurden bewusst in anderen Größen als die Originale geschaffen. Dieser Ansatz spiegelt die Situation wider, in der ein Kunstwerk in der Gesellschaft eher als Reproduktion in einem Buch, auf einem Plakat oder einer Plakatwand oder bei der Betrachtung auf einer Kinoleinwand funktioniert, wobei die Bildgröße vom Originalgemälde abweicht. Die Ausführung der angeeigneten Gemälde war nur der erste Schritt in der Produktion des eigentlichen Kunstwerks. Diese gemalten Kopien wurden dann verwendet, um Assemblagen oder Umgebungen, sogenannte „Interieurs“, zu schaffen, in denen Bilder verschiedener Gemälde miteinander interagierten. Das endgültige Ergebnis des gesamten Werks wurde stets erst im letzten Schritt, nach Fertigstellung der Installation, enthüllt und blieb im Vorfeld völlig unvorhersehbar.

Aus dieser Werkgruppe in der Sammlung MNAM des Centre Pompidou Paris sind die Transformable Paintings (1991) vertreten. Dieses Werk besteht aus sieben Gemälden, die auf Werken westeuropäischer Künstler wie Tizian, Diego Velazquez, Giorgione, Murillo, Tintoretto und Eugène Delacroix basieren und als Objekte auf verschiedene Weise ausgestellt wurden und werden können.^[4][5]

Ein weiteres Werk in der Sammlung des Centre Pompidou sind die Compact Paintings (1992). Für dieses Objekt wurde eine Ölkopie des bereits existierenden Gemäldes angefertigt. Anschließend wurde das Gemälde in Streifen geschnitten, diese aufgerollt und mit einem Seil befestigt. Auf diese Weise wurde aus einem zweidimensionalen Gemälde ein dreidimensionales, kompaktes Objekt.^[6]

In der Sammlung des Museum Folkwang Essen befindet sich das Werk The Secret of the Lost, (2003), das aus 18 kompakten Gemälden besteht.^[7]

Zwei Installationen Interiors waren Teil einer Ausstellung von Igor und Svetlana, die im Oktober 1988 in New York City stattfand. Von dieser Ausstellung wurden beide Werke vom MAMC, Musée d’art moderne et contemporain, Saint-Etienne,^[8][9] Frankreich, und dem Ludwig Forum für internationale Kunst Aachen,^[10] Deutschland, erworben.

Igor Kopystianskys seit Anfang der 1980er Jahre in den Medien Malerei und Installation entstandene Einzelwerke werden zu Recht als Teil einer internationalen Kunstbewegung bezeichnet, die als Appropriation Art bekannt ist.^[11]

Igor Kopystiansky siedelte 1988 nach New York über. 1990 erhielt er ein Stipendium des Berliner Künstlerprogramms des DAAD und in 2008 Residences Internationales aux Recollets in Paris. Zeitweilig arbeitet er zusammen mit Svetlana Kopystiansky.

Igor und Svetlana Kopystiansky verfolgen individuelle Karrieren, arbeiteten aber auch regelmäßig gemeinsam. Seine individuellen und gemeinschaftlichen Arbeiten wurden in Museen und wichtigen internationalen Ausstellungen gezeigt und sind in den Sammlungen großer amerikanischer, europäischer und australischer Museen vertreten.

In der Sammlung des Whitney Museum of American Art sind Igor und Svetlana mit einer zweiteiligen Diaprojektionsinstallation mit dem Titel The Day Before Tomorrow vertreten, die 1999, im letzten Jahr des Jahrtausends, in den Straßen New Yorks aufgenommen wurde.^[12] Wie John Hanhardt in seinem Text mit dem Titel The Play of Time: The Art of Svetlana and Igor Kopystiansky schrieb, handelt es sich bei „The Day Before Tomorrow“ um eine zweiteilige Diaprojektion, deren Bilder aus Hunderten von Schwarzweißfotografien ausgewählt wurden, die mit zwei Kameras aufgenommen wurden. Eine Kamera hielt Svetlana und die andere Igor. Sie standen nebeneinander, im Abstand von wenigen Metern, und filmten, was sich vor ihnen abspielte – Episoden des informellen Theaters, das sich tagtäglich auf den Bürgersteigen New Yorks abspielt. Die synchronisierten Bilder aus verschiedenen Stadtvierteln werden ohne Ton projiziert. Die Ereignisse stehen in keiner Verbindung zueinander und ergeben sich aus der Gegenüberstellung der beiden Perspektiven. Die Unterschiede der beiden Aufnahmen, die Verzögerungen und Vorgriffe innerhalb der Handlung, erzeugen ein skulpturales Theater, das sich in unterschiedlichen Geschwindigkeiten entfaltet. Da auf Film gedreht wurde, mussten die Bilder entwickelt werden, bevor sie von den Künstlern betrachtet werden konnten. Ihre Beobachtungen wurden also durch das Aufnahmegerät und den Entwicklungsprozess vermittelt. Die beiden Bildsequenzen erzeugen einen proto-filmischen Effekt angehaltener Bewegung, und die Entdeckungsfreude, die die Künstler selbst während der Filmentwicklung erfahren, wird auf den Betrachter übertragen.“^[13]

Die Kopystianskys produzieren zunehmend Videos. Ihr 1996/97 entstandenes Video Incidents, das in den Straßen von Chelsea, Manhattan, gedreht und 1997 von Kurator Harald Szeemann erstmals auf der Biennale in Lyon gezeigt wurde, meditiert über die potenzielle Schönheit und das Pathos weggeworfener Gegenstände, die vom Wind ballettartig durch eine Stadtstraße gewirbelt werden. “In diesem Video von Igor und Svetlana Kopystiansky verwandeln sich Bruchstücke urbanen Abfalls in eine lyrische Symphonie alltäglicher Formen. Incidents wurde in windigen Straßen nahe dem Künstleratelier im Manhattan Stadtteil Chelsea gedreht, wo die Kopystianskys seit 1988 leben. Sorgfältig geschnitten aus Filmmaterial, das über einen Zeitraum von zwei Jahren aufgenommen wurde, als das Viertel noch heruntergekommen war, zeichnet das Video die fast ballettartigen Bewegungen weggeworfener Überreste einer urbanen Konsumkultur nach. Großflächig projiziert, verwandeln sich diese scheinbar zufälligen und unbedeutenden Materialien und nehmen kurzzeitig eine skulpturale oder architektonische Qualität an, bevor sie flüchtig aus dem Bild verschwinden. Ton spielt eine Schlüsselrolle in der Arbeit; Originalaufnahmen des kakophonischen Lärms der Stadt schärfen unser Bewusstsein für typischerweise übersehene und nebensächliche Elemente der Großstadt. Die Feier der zufälligen Begegnung durch die Kopystianskys verleiht weggeworfenem Müll die skurrile Individualität von Lebewesen. Diese Massenproduzierte Objekte werden aus ihrer ursprünglichen Rolle befreit und bilden eine offene Choreografie schwebender Skulpturen. Incidents unterstreicht die anhaltende Beschäftigung der Künstler mit der strukturierten Beobachtung des urbanen Raums, ihre Faszination für verlassene Formen der jüngeren Vergangenheit und ihr Interesse an den räumlichen und zeitlichen Möglichkeiten des Kinos. Mit einer spielerischen Anspielung auf Marcel Duchamps „Readymade“ verwandeln sie ansonsten banale Momente und Materialien in komplexe Meditationen über das Spiel der Zeit und den Akt des Sehens.”^[14] Incidents wurden in limitierten Auflagen produziert und von folgenden Museen erworben: MoMA, Metropolitan, Centre Pompidou, Museum of Fine Arts Houston, TATE Modern London, Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Art Gallery of New South Wales Sydney und als Teil von Sammlungen großer Museen und auf wichtigen internationalen Ausstellungen ausgestellt.^[15] Eine vollständige Ausstellungsgeschichte der Videoarbeit „Incidents“ (1996/1997) ist in einem Hinweis auf einen Ankauf auf der Website des MFAH, Museum of Fine Arts Houston, Texas veröffentlicht.^[16]

Spätere Kollaborationen, wie beispielsweise Yellow Sound aus dem Jahr 2005 aus der Sammlung des Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C., beziehen ihren Titel von einer Theaterproduktion Wassily Kandinskys und ihre stumme Struktur und Laufzeit von John Cages berühmter Komposition 4'33" (1952), in der ein Klavierspieler an der Tastatur sitzt, den Deckel anhebt und für die nächsten vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden bewegungslos und still verharrt. Als Vorlage für „Yellow Sound“ (2005) verwendeten Künstler gefundenes Stummfilmmaterial mit dem Bild einer Schallplatte. Der ursprünglich sehr kurze Film wurde verlangsamt, um seine Dauer auf 4:33 Minuten zu erhöhen. Während der gesamten Präsentation sieht der Betrachter ein Bild, das wie ein Standbild aussieht. Lediglich Staub, Kratzer und andere Originalschäden des Films, die langsam erscheinen und verschwinden, zeigen den Zeitfluss.^[17]

In dem Video Portrait (2006), das in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art zu sehen ist, verwendete Kopystiansky einen kurzen Ausschnitt aus „Masculin Féminin“ von Jean-Luc Godard. Dieser ausgewählte Clip wurde gleichzeitig vorwärts und rückwärts abgespielt. Die Künstler beschreiben ihr Vorgehen wie folgt: „Der Effekt besteht darin, dass das Bild die meiste Zeit verdoppelt wird, aber in der Mitte des Programms für eine 24-Sekunde zu einem einzigen Standbild verschmelzen. Dieser Moment wird durch die Bewegung des Films in der Projektionskamera bestimmt.“^[18]

In der Filmarbeit Pink and White – A Play in Two Time Directions aus dem Jahr 2006 überlagern Künstler dasselbe Filmmaterial vorwärts und rückwärts. Die suggestive Qualität dieser Stücke wird durch das Vor- und Zurückspulen der Zeit/Handlung verstärkt, wodurch ein Gefühl von Zeit als gefundenes Ereignis und verlorene Erinnerung entsteht. Pink and White unterstreicht ihr Interesse am frühen Kino und der surrealistischen grafischen Intensität des Fotografen Man Ray.

Pink and White steht in Beziehung zu zwei weiteren Film-/Videoarbeiten von Igor und Svetlana Kopystiansky: Double Fiction (2008) und Fiction Double (2008). In beiden Werken ist der gesamte Film – „The Birds“ von Alfred Hitchcock und „Breathless“ von Jean-Luc Godard – wurden in zwei Richtungen abgespielt: vorwärts und rückwärts. Beide Filme entstanden fast zeitgleich mit nur drei Jahren Abstand: „ Breathless “ (1960) und „The Birds“ (1963). Beide zeichnen sich durch dramatische Intensität und eine klassisch aufgebaute fiktionale Filmerzählung aus: Die Erzählzeit bewegt sich geradlinig in eine Richtung. Beide Filme repräsentieren die Kinematographie eines Autors, und den Künstlern war es wichtig, klassische Filme zu verwenden, die jedem Zuschauer in Erinnerung bleiben. In „Double Fiction“ und „Fiction Double“ wird jeweils das gesamte Filmmaterial von Alfred Hitchcocks „The Birds“ und das gesamte Filmmaterial von Jean-Luc Godards „Breathless“ mit Ton gezeigt, von Anfang bis Ende und umgekehrt, von Ende bis Anfang gleichzeitig, und beide Zeitabläufe sind für den Zuschauer in jedem Moment der Vorführung sichtbar. Auf diese Weise integrierte Kopystiansky den gesamten Film als Fundstück und überdachte die Rezeption der Erzählzeit im klassischen Kino. In einem visuellen Teil werden frühe Szenen mit späteren Szenen verbunden. In der Mitte verschmelzen die übereinandergelegten Filme zu einem einzigen. Die beiden gegenläufigen Zeitströme vereinen sich für einen kurzen Moment, dessen Dauer durch die Geschwindigkeit der Filmvorführung definiert wurde: 1/24 Sekunde. Die Dekonstruktion eines ursprünglichen Erzählinhalts wirkte gleichzeitig konstruktiv, indem sie eine neue visuelle und akustische Qualität des Werks schuf und ein neues visuelles Objekt hervorbrachte. In diesem neuen Werk veränderten sich die Beziehungen zwischen den Figuren, und gleichzeitig entstanden neue Beziehungen, neue Interaktionen zwischen ihnen. Die Figuren interagieren auch mit sich selbst, da sie gleichzeitig in zwei Zeiträumen auf dem Bildschirm präsent sind. Jedes nächste Bild ist eine unvorhersehbare visuelle Kombination. Die gesamte Musik, alle Geräusche und jedes gesprochene Wort im Film wurden stets zweimal abgespielt: in die normale Richtung und umgekehrt. Ein wichtiger Bestandteil dieser Werke ist die verbale Sprache. Der Ton wurde an das Bild gebunden und gleichermaßen entweder in die normale Richtung oder umgekehrt abgespielt. Im zweiten Fall wurden gesprochene Worte zu einer Unkenntlichkeit verändert und erhielten durch den Verlust ihrer Kommunikationsmittel neue Qualitäten und wurden zu abstrakten Klängen. John Hanhardt schrieb über „Double Fiction“: „Ein Werk von erstaunlicher Einfachheit und Originalität, das die metafilmische Arbeit von Künstlern wie Douglas Gordon und Stan Douglas und den Umgang mit Sprache in Gary Hills Videobändern auf das komplexe Terrain von Erzählung, Geschichtenerzählen und Wahrnehmung überführt.“^[19]

Die Videoinstallation Crossroad (2009) wurde erstmals 2010 in der Einzelausstellung von Igor und Svetlana Kopystiansky im Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne Métropole in Frankreich gezeigt. Unbearbeitetes Filmmaterial von sechs verschiedenen Kreuzungen in Lower Manhattan zeichnete in Echtzeit alle Ereignisse auf, die sich vor der Kamera abspielten, mit allen Geräuschen der Umgebung. Aus diesen sechs Videoaufzeichnungen erstellten die Künstler drei Videoprogramme, wobei sie für jeden Bildschirm zwei Aufnahmen verwendeten, indem sie diese übereinanderlegten und während der Wiedergabe eine Aufnahme sehr langsam in eine andere und wieder zurück überblendeten. Auf diese Weise werden während einer Projektion Bilder langsam und allmählich von einer Aufnahme eines Ortes in eine Aufnahme eines anderen Ortes in der Stadt überblendet. Zu Beginn jedes Programms steht nur ein einziges Bild, das ein perfektes Bild von einem Ort darstellt, unmittelbar danach beginnt eine sehr lange und allmähliche Überblendung, die mit einem Einzelbild eines weiteren „perfekten Bildes“ aus einer zweiten Aufnahme endet. Nach Erreichen dieses Punktes beginnt eine ebenso langsame Überblendung zurück zur ersten Aufnahme. In der restlichen Zeit wird auf jedem Bildschirm eine Mischung aus zwei verschiedenen Orten und zwei Zeitabschnitten projiziert, wodurch eine neue fiktive visuelle Realität entsteht. Die Architektur wird völlig unwirklich und ein allmählicher Übergang zwischen zwei verschiedenen Orten erzeugt eine Verschiebung von Zeit und Raum.^[20][21]

Kopystianskys individuelle und kollaborative Werke wurden in Ausstellungen in Institutionen wie dem MoMA, Metropolitan Museum in New York City; Centre Pompidou, Paris; Tate Modern, London; Museo Reina Sofia, Madrid; Smithsonian American Art Museum, Washington; Art Institute of Chicago; MFAH Texas; Museum of Contemporary Art Chicago; Whitechapel Art Gallery, London; Museum für Moderne Kunst MMK Frankfurt am Main; Deichtorhallen Hamburg; Kunsthalle zu Kiel; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst Gent; Art Gallery of New South Wales, Sydney; Museum of Contemporary Art, Vigo, Spanien; MUMOK, Wien; Henry Art Gallery, Seattle gezeigt. Igor und Svetlana Kopystiansky hatten unter anderem Einzelausstellungen im Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne, Frankreich; Kunsthalle Düsseldorf; Sprengel Museum Hannover; Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Espoo Museum of Modern Art, Finnland; Scottsdale Museum of Contemporary Art Arizona; Fine Arts Center UMass, Amherst Massachusetts; Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo; Muzeum Sztuki in Łodz, Polen; Litauisches Nationalmuseum in Vilnius, Litauen.^[22]

Igor Kopystianskys Einzelwerke und gemeinsame Arbeiten mit Svetlana wurden auf wichtigen internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter auf der 1988 Biennale Venedig, Sydney Biennial^[23], the 1994 Sao Paulo Biennial, the 1995 Istanbul Biennial,^[24] 1997 Lyon Biennial^[25], 1997 Johannesburg Biennale^[26] 1999 Liverpool Biennial^[27] und documenta 11 in 2002.^[28][29]

Die Lisson Gallery in London hat Igor und Svetlana Kopystiansky von 2001 bis 2011 vertreten.^[30] Die Zusammenarbeit mit der Lisson Gallery begann im Jahr 2000, als Igor und Svetlana während ihres New York-Aufenthalts eine Einladung zur Teilnahme an der Ausstellung Video Work der Lisson Gallery in Covent Garden, Kean Street 9, vom 28. April bis 26. Mai in London erhielten, die zeitgleich mit der Eröffnung der Tate Modern stattfand. Bei dieser Ausstellung präsentierten Igor und Svetlana ihre Videoarbeit „Fog“ (2000), die von den Chelsea Piers auf der anderen Seite des Hudson River gefilmt wurde. 2024 wurde Fog (2000) vom Walker Art Center erworben. An der Ausstellung Video Work der Lisson Gallery nahmen teil: Francis Alÿs, Pierre Bismuth, Vanessa Beecroft, Mat Collishaw, Ceal Floyer, Douglas Gordon, Rodney Graham, Igor & Svetlana Kopystiansky, Paul McCarthy, Jonathan Monk, Tony Oursler, Simon Patterson, Julião Sarmento, Marijke van Warmerdam, Jane & Louise Wilson.^{[31][32][33][34]}

Auf der Armory Show in New York im Jahr 2001 präsentierte die Galerie Lisson ein Videoprogramm, darunter Incidents (1996/1997) von Igor und Svetlana Kopystiansky sowie Videoarbeiten von Rodney Graham, Francis Alÿs, Jane & Louise Wilson, Julião Sarmento, Simon Patterson, Paul McCarthy, Dan Graham und Pierre Bismuth.

Ein wesentlicher Teil der ersten Einzelausstellung von Igor und Svetlana in der Lisson Gallery in London im Jahr 2002 bestand aus Installationsarbeiten, die in den Straßen New Yorks gefilmt wurden, darunter die Zwei-Bildschirm-Diaprojektionsinstallation The Day before Tomorrow (1999), die 2009 in die Sammlung des Whitney Museum of American Art erworben wurde.

Zum ersten Mal The Day before Tomorrow wurde ausgestellt: Chronos & Kairos : die Zeit in der zeitgenössischen Kunst. Curator René Block, Künstler einschließlich: Joseph Beuys, George Brecht, Marcel Broodhaers, John Cage, Hanne Darboven, Jan Dibbets, Marcel Duchamp, Hans Peter Feldmann, Robert Fillou, Dick Higgins, Allan Kaprow, On Kawara, Joseph Kosuth, Igor and Svetlana Kopystiansky, George Maciunas, Bruce Nauman, Yoko Ono, Nam June Paik, Man Ray, Dieter Rot, Thomas Ruff, Endre Tot, Rosemarie Trockel, Ben Vautier, Wolf Vostell, Andy Warhol, Lawrence Weiner, Emmett Williams. 5 Sept.-7 Nov. 1999.^[35]

2006 präsentierten Igor und Svetlana in ihrer zweiten Einzelausstellung in der Lisson Gallery die Videoinstallation Yellow Sound (2005), die seit 2009 in der Sammlung des Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. vertreten ist, zwei Videoprojektionsinstallationen (Sandglass) Establishing Shot, im Auftrag des Scottsdale Contemporary Art Museum, begleitet von einem Fotoprojekt Fade, das ebenfalls in der Wüste von Arizona entstand. Die Ausstellung umfasste außerdem Pink and White, eine Multi-Screen-Videoinstallation, und Gemälde von Svetlana Kopystiansky: Landschaften und Seestücke, gestaltet durch handgeschriebene Texte, die Gedichten von Samuel Beckett entnommen sind, sowie Arbeiten auf Papier.^[36][37][38]

Die erste Gruppenausstellung, an der Igor nach seiner Einwanderung in die USA teilnahm, war „What is Contemporary Art?“, organisiert vom amerikanischen Kurator Dan Cameron. Teilnehmende Künstler waren: Fischli-Weiss, Katharina Fritsch, Georg Herold, Rebecca Horn, On Kawara, Mike Kelley, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Sherrie Levine, Tatsuo Miyajima, Walter Obholzer, Meret Oppenheim, Perejaume, Haim Steinbach, Bill Taylor, Jeff Wall. Rooseum, Malmö, Schweden 1989. Alle im Rahmen dieses Projekts ausgestellten Werke von Kopystiansky wurden kurz zuvor 1988 in der Einzelausstellung von Igor und Svetlana Kopystiansky in New York City gezeigt.^[39]

• Museum of Modern Art^[40]
• Metropolitan Museum of Art^[41]
• Whitney Museum^[42]
• Art Institute of Chicago^[43]
• MFAH, Museum of Fine Arts, Houston^[44]
• Walker Art Center, Contemporary Art Museum, Minneapolis^[45],
• Smithsonian American Art Museum^[46]
• Henry Art Gallery in Seattle.^[47]
• Centre Pompidou Paris^[48]
• Tate Modern, London^[49]
• Art Gallery of New South Wales, Sydney^[50]

• Musée d'art moderne Saint-Étienne,^[51] France
• Ludwig Forum for International Art, Aachen^[52]
• Berlinische Galerie^[53]
• Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main^[54]
• Frac Corsica^[55]
• Museum of Art, Łódź, Poland^[56]

• MOCAK Museum of Modern Art Krakau^[57]

• 1990 Stipendium des DAAD.
• 2008 Residences Internationales aux Recollets in Paris.

• Fonds Igor et Svetlana Kopystiansky. Bibliothèque Kandinsky^[58] – MNAM-CCI – Centre Pompidou, Paris^[59]

• "Igor & Svetlana Kopystiansky". Lithuanian National Museum of Art. 2023. Foreword: Arūnas Gelūnas. Texts by Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Quotations from texts about Kopystiansky’s by Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg. (Lithuanian, English, French) ISBN 978-609-426-182-4
• ‘'Kopystiansky: Double Fiction/Fiction Double”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Musée d'art moderne Saint-Étienne. 2010. Text von John G. Hanhardt, Philippe-Alain Michaud. Les Presses du Réel. ISBN 978-2-84066-374-4
• "Igor & Svetlana Kopystiansky." Published on the occasion of the solo exhibition at the Espoo Museum of Modern Art, Helsinki, 2007. Texts by Timo Valjakka, Anthony Spira, Barry Schwabsky, (English, Finnish, Swedish), EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Helsinki. ISBN 978-952-5509-00-7
• “Igor & Svetlana Kopystiansky: The Day before Tomorrow”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Fridericianum, Kassel and Fine Arts Centre of UMass, Amherst, Massachusetts, 2005. With introduction by René Block and Loretta Yarlow and texts by Adam D. Weinberg, Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond, Kai-Uwe Hemken. (English and German), ISBN 978-0-929597-19-5
• “Igor & Svetlana Kopystiansky: Tracking Shot.” With texts by Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond. (English and Spanish), Distrito4, 2004. Madrid, Spain ISBN 978-84-933422-6-5
• “Igor & Svetlana Kopystiansky: Dialog,” Published on the occasion of the solo exhibition at the IFA Galerie Berlin, 1998. Institut für Auslandsbeziehungen Stuttgart/Berlin.
• “Igor Kopystiansky: Exhibition of Paintings.” 2nd Johannesburg Biennale, 1997. ISBN 978-3-927869-12-7
• “Igor Kopystiansky: The Museum.” Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Düsseldorf, Germany. 1994.
• „Igor and Svetlana Kopystiansky“ Published on the occasion of the solo exhibition at the Martin-Gropius-Bau Berlin, 1991. DAAD. Curator René Block. Texts by Dan Cameron, Joachim Sartorius, Christine Tacke. ISBN 978-3-89357-031-7

• Thierry Davila, Heuristique des courants d’air. Les Cahiers du Musée national d’art moderne , #146, Winter issue 2018-2019 of the Centre Pompidou. "Of an art that does not lack air. From Leonardo da Vinci to Duchamp, Hans Haacke and beyond, a eulogy of drafts »Heuristique des courants d’air. Artists: Léonard de Vinci, Marcel Duchamp, Piero Manzoni, Giuseppe Penone, Hans Haacke, Marinus Boezem, Igor et Svetlana Kopystiansky, Ryan Gander, Gabriel Orozco, Pascale Marthine Tayou, Zilvinas Kempinas, Francis Alÿs, Didier Marcel. Les Cahiers du Musée national d’art moderne 2019/1 N° 146 EAN 9782844268372
• Philippe-Alain Michaud. Sur le film. Editions Macula, France. 464 pages index150 illustrations couleur, 185 illustrations noir et blanc, S. 207-220. 2016, ISBN 978-2-86589-085-9, ISSN 2430-8943,
• Michel Gauthier. Scenes from the life of palimpsests in Art Lovers. Stories of Art in the Pinault Collection at the Grimaldi Forum Monaco, from 12 July to 7 September 2014. Lien Art. Curator Martin Bethenod. Texts: Après by Martin Bethenod. ISBN 978-2-35906-112-3
• Adam D. Weinberg. The Binary Method, Some Thoughts on Two Projects: Incidents and The Day Before Tomorrow in: Artist, work, Lisson. Lisson Gallery London, England. "ARTIST WORK LISSON documents the history and legacy of Lisson Gallery over the past 50 years. Under the art direction of famed Dutch designer Irma Boom, the publication features an A-to-Z of every artist who has had a solo exhibition at the gallery. S. 14, 340, 341, 464-465, 472-473474, 662-665. Distributed in North America by Artbook | D.A.P., 2017. ISBN 978-0-947830-63-2
• Adam D. Weinberg. “Das binäre Verfahren. Überlegungen zu zwei Arbeiten Incidents und The Day Before Tomorrow.” Das Fridericianum Magazin. Kunstverein und Kunsthalle, Nov. 2005, S. 42–45.
• Hemken, Kai-Uwe: Die doppelte Documenta 11 - Die Videoinstallation "Flow" von Igor & Svetlana Kopystiansky als Sinnbild einer mediatisierten documenta. XXD11: Über Kunst und Künstler der Gegenwart. Ein Nachlesebuch zur Documenta 11. Kassel University Press; Erscheinungstermin. 1. Mai 2003; ISBN 3-89958-506-2.
• "Kunst der letzten 10 Jahre." Curated by Dieter Ronte and Wolfgang Drechsler. Museum of Modern Art, Vienna. 28 April bis 24. September 1989. S. 14, 150-153. ISBN 3-900776-03-2 / ISBN 978-3-900776-03-9
• "Documenta 11," Director Okwui Enwezor. Kassel, Germany. 2002. ISBN 3-7757-9088-8
• “Chronos & Kairos : die Zeit in der zeitgenössischen Kunst;” Museum Fridericianum Kassel, Curator René Block, Verlag: Documenta und Museum Fridericianum Kassel, 1999. Kunsthalle Fridericianum, 5 Sept.-7 Nov. Kassel, Germany. ISBN 3-927015-13-X
• "Trace," Liverpool Biennial of Contemporary Art, (Curator Anthony Bond). The Tate Gallery Liverpool, ISBN 0-9536761-0-2
• "2nd Johannesburg Biennale," Curator Okwui Enwezor. Johannesburg, South Africa. ISBN 978-0-620-21522-0
• "L'Autre. 4e Biennale de Lyon, Art Contemporain," Curator Harald Szeemann, Lyon, France, ISBN 2-7118-3574-X
• "The 4th International Istanbul Biennial, ORIENT/ATION–The Vision of Art in a Paradoxical World." Turkey. Director: René Block. Venue: Antrepo no. 1, Yerebatan Cistern, Hagia Eirene Museum, Atatürk Cultural Center Art Gallery. ISBN 2-87939-249-7
• “Caravanserraglio, Fuori Uso ‘95,” Curator Giacinto Di Pietrantonio. Ex Aurum, Pescara, Italy. ISBN 978-1-9993170-0-3
• "Cocido y Crudo," Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. Curator Dan Cameron. 1994. S. 50, 58, 118-121, 234 237, 324, 330. ISBN 84-8026-042-4
• “Ich will daß Du mir glaubst .9th Triennial of Small Sculpture,” Curator Jean-Christophe Ammann, Natalie de Ligt. Fellbach, Germany. Alte Kelter - 26.6. bis 26.9.2004. Participating artists: Nobuyoshi Araki, Stephan Balkenhol, Thomas Bayrle, Linda Benglis, Heiner Blum, Louise Bourgeois, Peter Fischli/David Weiss, Ceal Floyer, David Hammons, Martin Honert, Bethan Huws, Igor und Svetlana Kopystiansky, Zoe Leonard, Martin Liebscher, Cathy de Monchaux, Ron Mueck, Bruce Naumann, Markus Raetz, Martial Raysse, Andreas Slominski, Rosemarie Trockel, Erwin Wurm. Herausgebende Fellbach, Württ Stadt Fellbach Publikationsjahr 2004. ISBN 978-3-86984-147-2; ISBN 978-3869841472
• "The Boundary Rider," 9th Biennale of Sydney. Curator Anthony Bond. AGNSW, Sydney, Australia. ISBN 978-1-921034-84-8
• “Dialog im Bode museum.” Curators Klaus Biesenbach. Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Bodemuseum Berlin, 1992. ISBN 978-0-9841776-2-2
• Jörn Merkert. Kunst die in Berlin entstand: Meisterwerke der Berlinischen Galerie. Prestel, München 2004, ISBN 3-7913-3217-1
• “From Trash to Treasure. Vom Wert des Wertlosen in der Kunst.” Edited by Anette Hüsch. Kunsthalle zu Kiel. Participating artists: Arman, Joseph Beuys, George Brecht, Pavel Büchler, Christo, Tony Cragg, Jürgen Drescher, Marcel Duchamp, Sylvie Fleury, Gilbert & George, Asger Jorn, Arthur Køpcke, Igor und Svetlana Kopystiansky, Urs Lüthi, Gordon Matta Clark, Olaf Metzel, Robert Morris, Vik Muniz, Mimmo Rotella, Dieter Roth, Kurt Schwitters, Daniel Spoerri, Jacques de la Villeglé, Wolf Vostell. Published by Kerber, 2011. ISBN 978-3-86984-147-2; ISBN 978-3869841472
• “Erre, variations labyrinthiques.” Organized by Hélène Guenin and Guillaume Désanges. Préfaces d’Alain Seban et de Laurent Le Bon, Centre Pompidou-Metz, 2011. ISBN 2-35983-014-7; ISBN 978-2359830149.
• "The Purloined Image," Curator Christopher. R. Young. The Flint Institute of Arts, Flint, USA March 28-May 9. ISBN 0-941548-01-5
• Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne. Edited by Bernard Ceysson, S. 120. Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne. Edited by Bernard Ceysson, S. 120. Paris : Musées et monuments de France : A. Michel; Saint-Etienne : la Ville, 1990. Published with the support of the Fondation Paribas. Collection directed by Pierre Lemoine ISBN 2-912808-17-0, ISBN 978-2912808172
• "Anni Novanta," Curator Renato Barilli. Galleria Comunale d'Arte Moderna, Bologna; Musei Comunali, Rimini; Ex colonia "Le Navi," Catolica, Italy. S. 21, 250-251. Editore, Mondadori (31 dicembre 1990). ISBN 88-242-0087-7; ISBN 978-8824200875
• "What is Contemporary Art?” Curator Dan Cameron. Participating artists: Fischli-Weiss, Katharina Fritsch, Georg Herold, Rebecca Horn, On Kawara, Mike Kelley, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Sherrie Levine, Tatsuo Miyajima, Walter Obholzer, Meret Oppenheim, Perejaume, Haim Steinbach, Bill Taylor, Jeff Wall. Rooseum, Malmö, Sweden. ISBN is 978-1-84822-450-6 ISBN 99910-73-53-1; ISBN 978-9991073538; OCLC Number / Unique Identifier: 21436173
• "XLIII La Biennale di Venezia, Aperto, " S. 310, 347, 350. 1988. ISBN 88-208-0346-1 ISBN 978-1-906155-65-0 ISBN 978-88-208-0332-2
• Phyllis Freeman, "New Art," Harry N Abrams, New York, S. 106-107. 1990. ISBN 0-8109-2443-9
• Robert Atkins. "Art Speak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords." Appropriation. Who: Mike Bidlo, David Diao, Komar and Melamid, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Louise Lawler, Sherrie Levine, Carlo Maria Mariani, Sigmar Polke, Richard Prince, Gerhard Richter, David Salle, Julian Schnabel, Peter Schuyff, Elaine Sturtevant. When: 1980’s. Where: United States and Europe, Abbeville Publishers, New York, 1990, S. 42–43. Abbeville Publishers. New York, New York. 1990. ISBN 0-7892-1151-3 https://openlibrary.org/books/OL2198674M/Artspeak
• “Tempo ao tempo / Taking time.” Catalog of an exhibition held at MARCO, Museo de arte contemporánea de Vigo, Oct. 19, 2007-Feb. 17, 2008. Texts by Isabel Carlos, Félix Duque, and Iñaki Martínez Antelo. In Galician, Spanish, and English. ISBN 978-84-935505-4-7, ISBN 84-935505-4-X

Commons: Igor Kopystiansky – Sammlung von Bildern

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9. ↑ Igor Kopystiansky: Intérieur. 1988. Oeuvre en 3 dimensions, Installation. Toile déployée au mur et au sol sur laquelle sont posées deux chaises recouvertes de toile de lin peinte. Huile sur toile de lin et bois. Partie supérieure: 193 × 284,8 × 44 cm Chaque chaise: 80 × 38 cm. Achat, 1989. Inv. : 89.25.2
10. ↑ Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Konzeption: Annette Lagler. Autoren: Wolfgang Becker, Annette Lagler, Irene Ludwig. S. 88. Deutscher Kunstverlag München Berlin, 1996. ISBN 3-422-06181-9
11. ↑ Robert Atkins: Artspeak: a guide to contemporary ideas, movements, and buzzwords. 1st ed. Abbeville Press Publishers, New York 1990, ISBN 978-1-55859-010-6 (openlibrary.org [abgerufen am 4. Mai 2025]). 
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13. ↑ Philippe-Alain Michaud, John G. Hanhardt: Svetlana & Igor Kopystiansky. les Presses du réel, Dijon 2010, ISBN 978-2-84066-374-4. 
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15. ↑ "Igor & Svetlana Kopystiansky". The Lithuanian National Museum of Art. 2023. Texts by Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Quotations from texts about Kopystiansky’s by Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg.(Lithuanian, English, French) ISBN 978-609-426-182-4
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